海廷 （噪音印製）｜對他而言，用模組合成器建構一場表演的方式

海廷是一位從打擊樂手身份出發的創作者，專注於跨領域的聲響呈現，2004年於澳洲昆士蘭省音樂院畢業後，他前往義大利 Fabrica 駐村，開始了結合現代音樂及表演藝術的創作。

近年他開始專注於模組合成器、自然聲音取樣及原聲樂器的融合，透過劇場式聲響演出、專輯製作、現場聲音表演和跨域合作來實踐創作理念、找出聲音發生和聆聽的更多可能性，並於2017 年成立實驗音樂品牌「噪音印製」。

「模組可以完全破除『規律』這件事」

「模組合成器」（Modular Synthesizer ）讓創作者能實際去建構模組之間的串連點、連結不同的訊號，用物理的方式控制、創造聲音，也因此為創作帶來了無限可能的探索空間。

海廷說，雖然還是會有某種演奏的架構，但「框架」減少很多：「比如我動一顆按鈕，馬上就可以脫離四四拍的狀態、跳脫樂句的限制，可以無限延伸、也可以無限變段。」

模組的音樂基本上都是用序列器（Sequencer）做，序列器上會有8、16，或32個step，可以設定在第幾步做什麼事，例如，在第一步觸發大鼓、第五步觸發小鼓，每一、兩小節有固定的groove出現。Sequencer的使用習慣很看人，也可以用不同的硬體、軟體，或只用一台序列器去做到「用很多台」的狀態。

6/28線上分享會主題：對海廷而言如何用模組建構一個現場表演

海廷表示：「雖然自由度很大，但我還是會想要有樂曲的感覺，沒有過多的隨機、不可預期。」他覺得現場演出最難的是頭腦要清楚、建立一個邏輯：「我會做很多小抄，因為表演的時候機器之間商榷時間很有限，不記清楚的話當下就會容易混亂。」

他會把呈現出來的模式分為「有機」與「無機」，無機性就是，把每個東西都寫好，預設好在這個時間點、下個時間點要做什麼，每一個動做都精心計算與設計的結果。

而有機性就是不可預期，沒有框架的，海廷解釋道：「每一個廠牌的合成器都有自己的個性跟特色，這份特色會在什麼地方被展現出來？如何在演奏中去改變音色？節奏？pattern（樂句）的狀態？無論它的方式是什麼，我都不去想了，讓音樂隨著它的設計與節奏自己去觸發，不去做太細的設計（但的確有人會設計得很細），因為我覺得有時候音樂美好的點就是它的這份有機性。」

海廷一直嘗試在這兩者中間達到某種平衡：「太無機，會容易無聊，也很累，但太有機的話，在現場就會比較沒有玩的空間。」

討論到這裡，Vice City提問：「那所謂『有機』在實際上的表現是什麼？」

海廷回應：「比如說有一台機器叫Moog - Subharmonicon，它的節奏就是很有機的，當我將線插上去序列器後就可以控制，線拔掉後，它自己就會很瘋狂的在跑，然後就會發生我無法預期的事，但在這個狀況下還是可以調——調節奏，音高，但我不會知道結果，只是因為想改變參數而去調它。」

模組創作的元素是聲音的最小單位、是一個慢慢堆疊的過程

海廷會常常思考要怎麼做到讓每一個聲音之間有關聯和連帶性，讓它們有種「互相聽見對方」的感覺，就像真人在做二重、三四重演奏時，要配合彼此的起伏、呼吸，樂聲漸大或漸弱、音色的調整，在演奏上因為對方而有所反應。

當然這是很人性的事情，到了機器上會不容易做，這時就要使用壓縮器（Compressor），它可以控制音壓、聲音的動態與範圍，並且將之多元化：「我可以用compressser叫這一軌聽另一軌、再聽另一軌，然後第三軌聽到第二軌變大聲時，你就要變小聲囉，試著讓『聆聽彼此』讓這件事發生在機器上。」

他也會想，要怎麼樣讓聲音聽起來「肥厚完整」，目前這個階段他的方法是——讓模組之間的聲音盡量都有關係：「可能聲線不要分太多，分兩、三條就好，但其他分支出來的聲音，都跟這些主要聲線有附屬關係，去支撐主要聲線。」

海廷亦經常反思，不管用什麼工具做一個表演、做一段完整的音樂時，他要去表現什麼？「我以前一直遇到的問題是聲音很多，不知道要怎麼去組織跟拼貼，所以慢慢看了很多人用的方法，消化過後再重新思考。」

但也因為模組太自由了，每一次的消化、吸收、選擇，都是一個很小的決定。海廷形容，模組音樂的元素是被解構後組成一個聲音、句子的最小單位，就像樂高，有那麼多不同的顏色跟形狀、拼組的方式，當你只看一塊積木的時候，完全沒辦法想像最後會變成什麼樣。

再回到音樂上，海廷說，一般我們聽音樂時可能是聽某種「總和」，而在模組中，你要用某種聲波去製造某種頻率，要怎麼讓它有節奏？有什麼樣的效果？這一切都要一步步來，進程很慢。

而相對在軟體上製作、被設計過的合成器，可能每按一個按鈕就會有總和的東西出來，玩模組的話，多一個功能都要多花一筆錢（所以門檻其實很直接就是經濟），而這也因此讓每個人玩的方式會完全不一樣，有些人走得很硬派，有些人可以很簡潔，個性完全不同。

海廷也覺得，用模組做live的感覺很舒服，如果要用電腦寫好一個東西感覺滿累的，模組的彈性很大，但辛苦的是有很多不定因素、不聽話，調音非常難調。同場與會的模組創作/推廣者Mad也回應，Modular的方式，自己會生出你沒有想到的走向，滿事半功倍，而電腦可能會事倍功半，想要做出一個好的效果，但需要花更多的時間去處理。

而在這裡，City提出一了一有趣的延伸詢問：「台灣很多場地的音場沒有那麼理想，在準備音樂的時候，會先想好不要做得太理想嗎？」

Mad回應，不管在什麼空間一定有共振頻率，他會去抓這個點，讓它變成演出的共振頻率，例如，去聽哪個頻率會讓桌子震動。Mad說：「爛也有爛的玩法，把劣勢轉成優勢，變成『只有在那個場域裡可以做到的事』，比如就可以特別打一個喇叭給你想要共振的東西，像是在公館Pipe有水管，就可以去利用，或是我有一次在兩廳院實驗劇場，把speaker放在鐵網上，就可以共震出一個氛圍性的聲音。」

參與原子交換鏈近半年來的感受

海廷說，覺得「大家都在做同一件事」很有趣，我們都在修行，而修行方式不太一樣，都在過程中有所獲得，像他是從練樂器開始——這是他的起家與本能。在這個團體中，大家都很友善去分享彼此的喜歡、不喜歡、自身狀況，因為遇到大家，會讓他不斷去循序漸進的反思自己，雖然沒有聚會的話一樣會反思，但就比較埋頭苦幹，所以很感激有這樣的環境去引起碰撞。

而他也覺得，過去大家都在獨立的單位各自發展，但近幾年看了一些演出，感覺漸漸有「複合」的趨勢，一個演出群體裡的創作者背景可能來自於四面八方——實驗聲響、噪音、次文化、古典器樂、當代音樂等等，每個人都個性鮮明，但組織在一起，大環境從原本大家習慣的各自獨立，慢慢去共構出另一種場景，我們可以認知這個現象為台灣聲音場景的生命力。